domingo, 11 de marzo de 2012

EL HUMOR ES COSA SERIA






El sentido del humor es el término medio entre la frivolidad, para la que casi nada tiene sentido, y la seriedad, para la que todo tiene sentido. El frívolo se ríe de todo, es insípido y molesto, y con frecuencia no se preocupa por evitar herir a otros con su humor. El serio cree que nada ni nadie deben ser objetos de burla, nunca tiene algo gracioso para decir y se incomoda si se burlan de él. El humor revela así la frivolidad de lo serio y la seriedad de lo frívolo. Se trata de una virtud social: podemos estar tristes en soledad, pero para reirnos necesitamos la presencia de otras personas.

Etimológicamente la palabra divertirse remite a la acción de salirse del vértice, es decir, a la ruptura con el orden cotidiano de significados. El humor une dos cosas dispares: "No dejes para mañana la posibilidad de encajarle a otro lo que tengas que hacer hoy", dice Felipe, el personaje de Quino. El deber (hacer lo que corresponde) y la falta (abusar de otro): dos sentidos diversos entrelazados con naturalidad.

Carecer de humor es carecer de humildad, es estar demasiado inflamado de uno mismo. Pero no exageremos la importancia del humor: un mal tipo puede hacer gala de un humor exquisito, y es posible ser buena gente y carecer por completo de sentido del humor. No obstante, quien tiene humor suele ser más estimable que quien no lo posee. El humor es una herramienta crítica de gran eficacia. "Leí La Guerra y la Paz en veinte minutos. Es acerca de Rusia", decía Woody Allen en tiempos en que estaban de moda los métodos de lectura veloz. El humor es un instrumento apropiado para promover la tolerancia, lo que llevó a Lichtemberg a escribir: "Nada determina más el carácter de una persona como la broma que la ofende". El humor permite ver lo que los demás no perciben, ser consciente de la relatividad de todas las cosas y revelar con una lógica sutil lo serio de lo tonto y lo tonto de lo serio. A veces el mejor consejo es el que proviene de un chiste y no de una formulación teórica.

El humor es una demostración de grandeza que pareciera decir que en última instancia todo es absurdo y que lo mejor es reír, como aquel condenado a muerte que llevan a la horca un lunes y exclama: "¡Bonita forma de comenzar la semana!". El humor es una afirmación de dignidad, una declaración de superioridad del ser humano sobre lo que acontece. Cuenta Diógenes Laercio que a Metrocles se le escapó una sonora ventosidad mientras tomaba una clase de filosofía. Tan grande fue el rubor que le sobrevino que se encerró en un cuarto con ánimo de dejarse morir de hambre. Crates entró a consolarlo tras ingerir comida flatulenta y, como no pudo persuadirlo diciéndole que no había cometido ningún absurdo sino que más bien sería cosa monstruosa no despedir los flatos según marca la naturaleza, soltó él también su flato, con lo cual los dos rieron y Metrocles dejó de sentir vergüenza.

¿Tiene límites el humor? ¿Es posible hacer humor con el tema del Holocausto? Hay una delgada línea divisoria entre la posibilidad de "reírse de" y la de "reírse con". Chaplin ponía como condición de posibilidad del humor la necesidad de que el chiste estuviera a favor del débil y no del fuerte. Algunos diferencian tajantemente humor e ironía. Si Groucho Marx afirma "Pasé una excelente velada, pero no fue ésta" y se lo dice a una generosa anfitriona, se trataría de una ironía. Si en cambio se lo dice al público, se trataría de humor. La ironía invertiría la ecuación de Chaplin y se reiría a costillas del débil. Escribe Comte-Sponville: "Se puede bromear acerca de todo: el fracaso, la muerte, la guerra, el amor, la enfermedad, la tortura. Lo importante es que la risa agregue algo de alegría, algo de dulzura o de ligereza a la miseria del mundo, y no más odio, sufrimiento o desprecio. Se puede bromear con todo, pero no de cualquier manera. Un chiste judío nunca será humorístico en boca de un antisemita. La ironía hiere, el humor cura. La ironía puede matar, el humor ayuda a vivir. La ironía quiere dominar, el humor libera. La ironía es despiadada, el humor es misericordioso. La ironía es humillante, el humor es humilde".

Sin embargo, no toda ironía es cruel. La ironía es una figura retórica que consiste en dar a entender lo contrario de lo que se quiere decir. No me parece que esta idea de ironía implique necesariamente una forma despiadada de hacer humor. Diría más bien que hay un humor hiriente, esteticista, que no repara en criterios éticos con tal de hacer reír. Si la ironía es utilizada en cambio como instrumento de resistencia, el humor adquiere un sesgo liberador: una modelo casada con un polista millonario responde, cuando el periodista se burla del "trabajo" de su marido: "Se necesita talento para ser polista". El que está al lado le dispara una ironía: "Claro, dinero no hace falta".

La risa aparece como la distancia más corta entre dos personas. No es un mal comienzo para la amistad. No es un mal recurso para aceptar -o retrasar- la propia muerte y la de los demás. Hay culturas que entierran a sus muertos con alegría. Prefieren recordar con risas y sonrisas, no con lágrimas y tristeza. Recordar con filosofía, tal el refrán castizo para el que "tomarse las cosas con filosofía" equivale a tomarse las cosas con alegría, con uno de los sentimientos más serios, gratuitos y paradójicos con que podemos cepillarnos las telarañas del alma.


Fragmento de Artes del buen vivir, Roxana Kreimer.








)*(



Acatar. Obedecer la orden de probar el vino.




Acera de enfrente. Es imposible saberlo. Aquí me dicen que es aquella y allí me dicen que es ésta.
Adolescentes. Grupo de individuos que manifiestan su profundo deseo de ser diferentes, vistiéndose iguales. 
Alba. Principio de un nuevo día o fin de una gran noche.
Avaro. Rico pobre.

Banquero. Alguien que te deja su paraguas cuando hace buen tiempo, pero en cuanto empieza a llover te exige que se lo devuelvas.



Botánica. Arte de insultar a las flores en griego y en latín.


Campo de fútbol. Único lugar donde puede verse en directo como le dan una patada en los cataplines a un millonario.
 Capitalismo. Una práctica que nunca se llevará a la teoría.
 
Cero. Parte de las matemáticas que a veces aplican en Historia, Geografía, Lenguaje, etc.
Comunismo. Teoría que nunca se llevará a la práctica. (Véase capitalismo)



Crítico. Persona que finge ser tan difícil de satisfacer que nadie lo intenta.

Espejo. Objeto que pierde su atractivo a medida que envejecemos.
Eternidad. Conservar la sonrisa hasta que tomen la foto.

Experiencia. Lo que te permite cometer errores nuevos en vez de repetir los viejos.

Fraude. Aprovecharse de la ignorancia de alguien para causarle un perjuicio.
(Ejemplo: Un profesor que suspende a un alumno en una asignatura comete un fraude).  

Hardware. Parte del ordenador que recibe los golpes cuando el software se cuelga. 

Inflación. Vivir pagando los precios del año próximo con el sueldo del año pasado.

Llavero. Instrumento que permite perder varias llaves a la vez.
 
Milagro. La mejor prueba de la ingenuidad humana.

Pensar. Único verbo reflexivo.

Política. Arte de evitar que la gente se preocupe de lo que importa.

Presagio. Signo de que algo ocurrirá si nada ocurre.

Primera cita. Cita en la que dos personas fingen ser los más simpáticos, amables, tolerantes y especiales del mundo.

Programador. Persona que te resuelve un problema que no sabías que tenías de una manera que no comprendes.

Psicólogo. El que mira a todos los demás cuando una mujer atractiva entra en la habitación.

Religión. Hija de la esperanza y el miedo que explica a la ignorancia, la naturaleza de lo desconocido.

Segundo. Espacio de tiempo que transcurre desde que se pone verde el semáforo hasta que el conductor de atrás toca el claxon.

Software. Aquello que acaba funcionando.

Soledad. Excelente compañía en muchísimas ocasiones. 
Soltero. Persona que ha pensado muy en serio en el matrimonio y que puede subirse a la cama por cualquiera de los dos lados. 



DUETTO DE GATAS









El que está triste, censura
al alegre de liviano;
y el que está alegre se burla
de ver al triste penando.


Juana Inés de Asbaje (Sor Juana Inés de la Cruz)





JN, MARZO

Está muy bien el fragmento de Roxana Kreimer,
pero se le ha olvidado decir (supongo que a lo largo del libro aparecerá)
que el auténtico humor comienza por reirse de uno mismo, y qué pocos lo saben hacer...

Quino, genial como siempre.
Muy buenas las definiciones. Me quedo con todas, pero especialmente con las de 'experiencia',
'llavero', 'política' y 'religión'

G, MARZO

El humor, como la disciplina, han de ser ingleses...


miércoles, 7 de marzo de 2012

ME GUSTAS MUCHO



JOAN MANUEL SERRAT
  Barcelona, 27 de diciembre de 1943


En él se han reunido los siguientes factores del poeta-cantante:

- un perfil en el que arte y pensamiento, se complementan en todas sus creaciones

- un interés artístico y humano por sobre el comercial

- sus canciones se concentran en el hombre común y corriente, que, con sus canciones, lo dignifica.

Su larga trayectoria ha puesto en claro el rigor los factores anteriormente señalados.
Originalidad, calidad y dignidad han sido sus acordes dominantes. Serrat es, ante todo, un buen poeta.
El poeta supera en él al cantante, aunque el uno del otro sean inseparables.
Su fuerza está sumergida en las cosas y personas que le rodean, y de ellas extrae la esencia más profunda de su poesía.

Sin embargo, no es sólo contemplación sino que detrás de cada palabra hay una propuesta, la realidad se transforma, convirtiéndose en nostalgia al ser contemplada por sus ojos soñadores.
Su estilo, es, pues, lírico; es un poeta del todo interior, en que cada verso es un pedazo de su espíritu. De ahí que su voz profunda, como balbuciente, concuerde a la perfección con la pasión íntima de sus composiciones.
A pesar de éste carácter poético evidente, Serrat ha definido su arte como canción épica, y esto es verdad en cuanto a que sus composiciones nos narran hechos y sucesos concretos externos a él. Pero la vida que nos narra es siempre un proyecto de su propia vida interior.
Detrás de la obra de Serrat está él mismo, al desnudo, con su enorme sensibilidad hacia todo lo humano. La poesía de Serrat es inspiración, instinto, se deja llevar por su sensibilidad y vena artística, es decir, no tiene en cuenta la técnica, la razón o la lógica.

Su poesía es humana y dentro del mundo, no le interesan tanto las situaciones generales o los grandes problemas de los pueblos más o menos en abstracto. Como buen poeta, huye de los clichés y de lo puramente retórico. Él se acerca a las personas que le rodean de manera concreta, se sumerge y los abraza con su mirada de poeta, y les canta con su hondura. Recoge estas vidas vulgares en sus detalles más cotidianos y, al escucharlas, descubrimos con sorpresa que una detonante fuerza humana, un manantial profundo de sentimientos recorre cada uno de aquellos gestos que antes nos parecían insignificantes.
La preocupación por la vida de los hombres comunes y corrientes, le da a Joan Manuel una música que desemboca en una amalgama: la armonía de su vena sensible, poética y popular con la vena culta y trabajada, de un intelectual completo. Tal vez sea, esa amalgama, la que ha hecho trascender sus canciones, a lo largo del tiempo, con las mil bellezas y las mil fealdades de nuestra vida.
(F.G. BUSTAMANTE)


ÁLBUM: MI NIÑEZ (1970)





Es menuda como un soplo
y tiene el pelo marrón
y un aire entre tierno y triste
como un gorrión.
Le gusta andar por las ramas
ir de balcón en balcón
sin que nadie le eche mano
como un gorrión.

Nació libre como el viento,
no tiene amo ni patrón
y se mueve por instinto
como un gorrión.

Pajarillo pardo...
En la Carrera
de San Bernardo,
quedó tu nido seco y vacío
quizá algún niño ya lo robó.

Pajarillo errante
que bebe el agua de los estanques
y de mi mano jamás comió.

Y no le vende al alpiste
su color ni su canción
por ahí busca su lechuga
como un gorrión.

Y le da pena el canario
pero no envidia a un halcón.
Le gusta volar bajito
como un gorrión.

Y tutearse con las nubes
y dormir en el rincón
donde no llegan los gatos
como un gorrión.

Pajarillo pardo...
En la Carrera
de San Bernardo,
quedó tu nido seco y vacío
quizá algún niño ya lo robó.

Pajarillo errante
que bebe el agua de los estanques
y de mi mano jamás comió.



Sinceramente Tuyo

Álbum: Cada loco con su tema (1983)






No escojas sólo una parte,
tómame como me doy,
entero y tal como soy,
no vayas a equivocarte.

Soy sinceramente tuyo,
pero no quiero, mi amor,
ir por tu vida de visita,
vestido para la ocasión.
Preferiría con el tiempo
reconocerme sin rubor.

Cuéntale a tu corazón
que existe siempre una razón
escondida en cada gesto.
Del derecho y del revés
uno sólo es lo que es
y anda siempre con lo puesto.

Nunca es triste la verdad,
lo que no tiene es remedio.

Y no es prudente ir camuflado
eternamente por ahí
ni por estar junto a ti
ni para ir a ningún lado.

No me pidas que no piense
en voz alta por mi bien,
ni que me suba a un taburete
si quieres, probaré a crecer.
Es insufrible ver que lloras
y yo no tengo nada que hacer.

Cuéntale a tu corazón
que existe siempre una razón
escondida en cada gesto.
Del derecho y del revés,
uno sólo es lo que es
y anda siempre con lo puesto.

Nunca es triste la verdad
lo que no tiene es remedio.
   


ÁLBUM: VERSOS EN LA BOCA (2002)

SIN PIEDAD 




Tu derrota es la mía
y mi fracaso tu quebranto, mujer.
Mía es tu ruina, tuya mi agonía.
Tan solo somos un par de perdidos
que no tienen nada que perder.
Y sin embargo, o tal vez por eso,
donde más duele nos damos los besos.
A sangre y fuego,
a sangre y fuego,
te parto el alma
y me mato luego.

No tendré piedad de ti.
No tendré piedad de mí.
Morir matando,
matar muriendo,
sin piedad de ti,
sin piedad de mí.

Callejón sin salida:
así es esa malsana realidad.
Si me entregase a ti me despreciarías
y si te venzo me odiarás
y si huyo no he de verte nunca más.
Me necesitas y te necesito
como la confesión necesita al delito .
Sueño contigo,
sueño contigo,
como la muerte sueña
con alguien vivo.

No tendré piedad de ti.
No tendré piedad de mí.
Morir matando,
matar muriendo,
sin piedad de ti,
sin piedad de mí.







El milagro de existir,
 el instinto de buscar,
 la fortuna de encontrar,
el gusto de conocer.








JN, 
Hombre..., el "Noi del Poble Sec", "El Nano", un poeta de la vida, un referente de varias generaciones,
aunque sus opciones políticas y sociales no nos hayan gustado siempre, pero nadie es perfecto.

G, 
El mejor espejo para muchos, aunque claro, ni el tiempo ni la vida pasan en balde.

J, 
Quizá Serrat es la voz que nos sale de dentro y hacia dentro.
La de Sabina va directamente a la calle, y tiene mérito, pero no le vibra en la garganta...







domingo, 4 de marzo de 2012

ESPEJITO, ¿QUIÉN ES LA MÁS "MONA" DE LAS DOS?





LAS   dos GIOCONDAS

LAS dos MONAS


Copia residente en el Museos del Prado.
¿Cómo llegó a España?.
Existen dos hipótesis: a través del escultor Pompeo Leoni, marchante de arte y que compró una gran cantidad de obras de Leonardo da Vinci para traerlas con él a España; o que el cuadro llegara a través de los gobernantes españoles que mantenían relaciones con el milanesado en los siglos XVI y XVII.


La Gioconda del Museo del Prado, después de cinco siglos, ha dejado al descubierto que debajo de las capas oscuras que la cubrían había mucho más que una mera copia de la que se exhibe en el Museo de Louvre. Los secretos ocultos en este óleo, pintado al mismo tiempo que el original de Leonardo Da Vinci, salieron a la luz gracias al estudio técnico realizado a partir de la utilización de una serie de herramientas sofisticadas, como la reflectografía infrarroja, radiografía, fluorescencia inducida con la luz ultravioleta y examen con lupa binocular. Las herramientas que el grupo de investigadores y restauradores del Museo del Prado empleó para el estudio de la composición de esta obra de arte, y cuyos resultados proporcionan pistas a los investigadores sobre los modos de trabajar del artista florentino, ya es común en los grandes museos y archivos museísticos de todo el mundo. El proceso de estudio es minucioso y abarca todos los componentes de la obra, desde su soporte y pigmentos, hasta sus capas pictóricas.
La interpretación de los resultados del estudio pueden tardar meses o años, pero el procedimiento de análisis comienza con un registro fotográfico a gran detalle, con luz visible y ultravioleta, que permite diferenciar las zonas faltantes, las que fueron restauradas y las originales.

Posteriormente, a través de una pequeña toma de muestra, que implica desprender con bisturí menos de dos milímetros de la pieza, se realiza un estudio para saber qué tipos de pigmentos, cargas y aglutinantes están presentes en la obra.
Poco a poco, la obra va revelando sus secretos compositivos e incluso los trazos previos o dibujos preparatorios del autor. La identificación de estos dibujos adyacentes se obtiene con la toma de las imágenes inflarrojas. Éstos revelaron que los bocetos de la copia de Madrid tienen una enorme similitud con los que existen debajo de la pintura de Da Vinci. Que los esbozos que están debajo de la pintura coincidan, significa que la copia fue realizada al mismo tiempo que la original.
Desde el dibujo preparatorio hasta casi los último estadios, el discípulo (se cree que Franceso Melzi), trabajando junto al caballete del maestro, repitió el proceso creativo en todos sus pasos, aunque sin pretender hacer pasar esta obra por la original que se encuentra en el Louvre.

El paisaje toscano en la copia estaba totalmente cubierto de pintura negra, lo que llevaba a pensar que era una obra mal ejecutada, ya que desmerecía a la figura femenina.
Tras la limpieza del fondo negro por parte del prestigioso taller que trabaja en el museo madrileño, la aparición del paisaje toscano y la evidencia de que la retratada aparezca con una mayor juventud y lozanía, ha revolucionado el mundo del arte.
Los trabajos de restauración de la copia revelaron que la pintura negra había sido añadida posteriormente -un siglo después de creada la obra original, que Leonardo pintó entre 1503 y 1505- y que la madera no era nogal, sino roble.
Existen numerosas copias de la Mona Lisa, y la que se conservaba en el Museo del Prado no parecía revelar nada especial.
Lo que se habría descubierto ahora es que se trata de una copia del trabajo de Da Vinci, realizada al mismo tiempo que la obra del maestro.

***********

El museo parisino pidió hace dos años al del Prado que estudiase la copia con vistas a la exposición que el Louvre prepara sobre la "Santa Ana" de Leonardo Da Vinci, del 29 de marzo al 25 de junio.
Un exposición con la que el museo del Louvre de París rinde homenaje a toda la obra del polifacético artista florentino y en especial, al óleo "La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana", recientemente restaurado.

A ver cómo se toman los franceses la llegada al Louvre de la nuestra y su protagonismo.


La Gioconda (copia).
 Óleo sobre tabla de nogal, 76,3 x 57cm, 18mm de grosor.



El que en la copia aparezca más joven, no significa nada y puede deberse a una falta de pericia por parte del discípulo con respecto al maestro.
Los discípulos del genio florentino eran magníficos copistas, pero todas esas evidencias a las que se aluden son subjetivas, porque las personas que han hablado en los medios de comunicación, en vez de ver las diferencias evidentes, ven similitudes extremas.

Fijándose con atención entre ambas obras, se ve la frontera que hay entre un magnífico pintor, el discípulo y un genio, Leonardo Da Vinci. Se trata de diferencias sutiles, pero notables, y que demuestran que pudo haber sido realizada por alguno de los pintores que estaban cerca del maestro.

El primer punto más importante y que demuestra la diferencia de calidad entre ambas obras, se centra en el diseño de la frente; la curvatura de la obra de Leonardo es coherente al volumen de la figura, mientras que en la copia esta línea está recta, aunque en un momento se inclina.

Otro punto importante se basa en la forma del pliego derecho de la tela que lleva en el hombro desde la posición del espectador; este pliego, en la obra del discípulo aparece en un tono claro, pero en la del maestro es muy sutil, ya que ese lado de la pintura es una sombra continuada. Ese toque blanco y más claro de la copia evita el protagonismo del rostro, lo que demuestra que el discípulo era un buen pintor, pero no un genio.
La utilización del esfumato es otro elemento importante. El esfumato lo utiliza Leonardo como una neblina que envuelve toda la imagen para crear perfiles más diluidos que fusionan la imagen con el espacio, algo que tampoco utiliza la copia.

Las manos del personaje también evidencian diferencias ya que las del original están en una semipenumbra, son unas manos que se sacrifican para dar protagonismo al rostro y al pecho, pero en la copia son muy evidentes y están compitiendo con el rostro. Algo parecido ocurre con las cejas, que en el caso de la obra original son casi imperceptibles, mientras que en la copia están muy marcadas y delineadas.

Matías Díaz Padrón (exconservador jefe de pintura flamenca del Museo del Prado).

* * * * * * * * * * *

LEONARDO DI SER PIERO DA VINCI
1452-1519
Nace en un pueblo de la Toscana italiana. Hijo ilegítimo de un notario y una sirvienta, Catarina Vacca.
A los 14 años entra en el afamado taller del pintor florentino Andrea Verrochio donde convive con Sandro Botticelli y Perugino, allí aprende gran parte de los secretos pictóricos para ejecutar un cuadro.
Estudia matemáticas, geometría, perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, se inicia también en la arquitectura y escultura. También experimentó de una forma sorprendente en zoología, cartografía, anatomía, botánica, música (él tocaba la lira), etc. Muchos de sus proyectos se han dado a conocer en forma de apuntes y dibujos, pero muchos quedaron sin materializar y han pasado a la historia como grandes ideas, diferentes códigos, planos de fortificaciones y multitud de inventos, son ejemplos de su genialidad.
¿Qué más se puede decir de este hombre? Es sabido que tenía la muy rara cualidad de abordar con talento todas las disciplinas. Fue pintor, ingeniero, inventor, matemático, astrónomo, filósofo y hasta cocinero.
Estudió sin cansancio todos los fenómenos naturales, la perspectiva, la geometría, anatomía y, en general, todas las ciencias de la observación; buscó respuestas a todas las preguntas imaginables.
Leonardo Da Vinci fue un humanista renacentista, poseedor de una mente prodigiosa, un luchador incansable en la búsqueda de la verdad, de los secretos de la vida y sus misterios.


LA SONRISA CRAQUELADA DE LA GIOCONDA


 








Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte.
Se estima que fueron cuatro años los que estuvo trabajando en él,
(las obras maestras requieren dedicación).
Al parecer, el pintor la llevaba consigo adonde fuese a trabajar.
    

Pintada entre 1503-1506, sobre una delgada tabla de madera de álamo muy frágil y no de gran tamaño, mide 77 por 53 centímetros. Leonardo preparó minuciosamente la tabla, con múltiples capas de enlucido. Dibujó el motivo del cuadro y después aplicó el óleo, sabiamente diluido en aceite esencial. Ello le permitió aplicar innumerables capas de pintura en forma de veladuras, con finas pinceladas casi imperceptibles individualmente. Con el esfumato consigue un difuminado de los contornos de la figura, jugando con luces y sombras que dotan al personaje de relieve y de misterio. La figura adquiere una humana vitalidad, con una inefable expresión en el rostro, que parece observarnos. Las manos parecen dotadas de movimiento. El paisaje se pierde en la lejanía. El esfumato, de la mano de Da Vinci permite una ejecución perfecta de las carnaduras, gracias al refinado tratamiento de la figura, que está sumida en un claroscuro ambiental.

Mientras Leonardo pintaba a su modelo siempre había alguien cantando, tocando música o contándole una historia, quizá de esa manera consiguió la expresión placentera en su rostro.

La combinación de la "perspectiva aérea" y de la técnica del "sfumatto" consiguen una estupenda sensación tridimensional y de profundidad (posiblemente inventó el 3D). Los críticos de arte coinciden en afirmar que lo mejor del cuadro son las manos y por supuesto la enigmática sonrisa sobre la que Margaret Livingstone, experta en percepción visual dice: "una ilusión que aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes". La experta opina que debido al funcionamiento del ojo humano si se mira directamente a la boca la sonrisa desaparece, mientras que si se mira a los ojos u otra parte del cuadro la sonrisa vuelve a aparecer en el rostro de la Gioconda.

Sobre la boca de la Mona Lisa, J.E. Borkowski comenta que el rictus bucal es como el de las personas que han perdido sus incisivos o que padecen bruxismo, un hábito que lleva a rechinar los dientes por estrés o durante el sueño.

No deja de llamar la atención la opinión de un profesor de Yale, según él la sonrisa es debido a que la dama está embarazada. Llega a esta conclusión tras analizar la forma de la cara, los dedos hinchados y el gesto de las manos sobre el vientre (muy típico de las embarazadas).

Según la publicación británica New Scientist y en base a los estudios de la Universidad de Amsterdan la sonrisa de la Mona Lisa esta compuesta de las siguientes emociones:
  • 83% se debe a la felicidad
  • 9% es sentimiento de disgusto
  • 6% de miedo
  • 2% de enojo

El estudio está basado en el análisis de la expresión por un programa informático (diseñado por la Universidad de Illinois) que evalúa emociones interpretando los gestos de la cara

No hay prueba fidedigna de la identidad real de la dama representada. Las vicisitudes del cuadro a lo largo de la historia, son más propias de una novela policiaca que de una obra de arte.

En 1911 fue robada por un pintor italiano, Vicenzo Peruggia, con el fin de devolverla a su país de origen. Finalmente el cuadro fue recuperado tras pasar dos años debajo de la cama de Peruggia en una pensión de París. 
El cuadro no sólo ha sido robado, sino que también ha sido rociado con ácido y golpeado con una piedra arrojada por un hombre en el propio Louvre.        
Es con diferencia la pintura más visitada del museo del Louvre.

En 2005 fue instalada tras una vitrina antibalas en una sala especial donde está protegida del calor, la humedad y el vandalismo. El traslado y acondicionamiento tuvo un coste de 6 millones de dólares que corrieron a cargo de la misma cadena televisiva japonesa que patrocinó la restauración de la Capilla Sixtina.

Es el cuadro más conocido del mundo y recreado por todos los medio, incluso por artistas tan diversos como Dalí, Botero, Andy Warhol...

y hasta cantada:

NAT KING COLE
MONA LISA









ESPEJITO, ¿QUIÉN ES LA MÁS "MONA" DE LAS DOS?





LAS   dos GIOCONDAS

LAS dos MONAS


Copia residente en el Museos del Prado.
¿Cómo llegó a España?.
Existen dos hipótesis: a través del escultor Pompeo Leoni, marchante de arte y que compró una gran cantidad de obras de Leonardo da Vinci para traerlas con él a España; o que el cuadro llegara a través de los gobernantes españoles que mantenían relaciones con el milanesado en los siglos XVI y XVII.


La Gioconda del Museo del Prado, después de cinco siglos, ha dejado al descubierto que debajo de las capas oscuras que la cubrían había mucho más que una mera copia de la que se exhibe en el Museo de Louvre. Los secretos ocultos en este óleo, pintado al mismo tiempo que el original de Leonardo Da Vinci, salieron a la luz gracias al estudio técnico realizado a partir de la utilización de una serie de herramientas sofisticadas, como la reflectografía infrarroja, radiografía, fluorescencia inducida con la luz ultravioleta y examen con lupa binocular. Las herramientas que el grupo de investigadores y restauradores del Museo del Prado empleó para el estudio de la composición de esta obra de arte, y cuyos resultados proporcionan pistas a los investigadores sobre los modos de trabajar del artista florentino, ya es común en los grandes museos y archivos museísticos de todo el mundo. El proceso de estudio es minucioso y abarca todos los componentes de la obra, desde su soporte y pigmentos, hasta sus capas pictóricas.
La interpretación de los resultados del estudio pueden tardar meses o años, pero el procedimiento de análisis comienza con un registro fotográfico a gran detalle, con luz visible y ultravioleta, que permite diferenciar las zonas faltantes, las que fueron restauradas y las originales.

Posteriormente, a través de una pequeña toma de muestra, que implica desprender con bisturí menos de dos milímetros de la pieza, se realiza un estudio para saber qué tipos de pigmentos, cargas y aglutinantes están presentes en la obra.
Poco a poco, la obra va revelando sus secretos compositivos e incluso los trazos previos o dibujos preparatorios del autor. La identificación de estos dibujos adyacentes se obtiene con la toma de las imágenes inflarrojas. Éstos revelaron que los bocetos de la copia de Madrid tienen una enorme similitud con los que existen debajo de la pintura de Da Vinci. Que los esbozos que están debajo de la pintura coincidan, significa que la copia fue realizada al mismo tiempo que la original.
Desde el dibujo preparatorio hasta casi los último estadios, el discípulo (se cree que Franceso Melzi), trabajando junto al caballete del maestro, repitió el proceso creativo en todos sus pasos, aunque sin pretender hacer pasar esta obra por la original que se encuentra en el Louvre.

El paisaje toscano en la copia estaba totalmente cubierto de pintura negra, lo que llevaba a pensar que era una obra mal ejecutada, ya que desmerecía a la figura femenina.
Tras la limpieza del fondo negro por parte del prestigioso taller que trabaja en el museo madrileño, la aparición del paisaje toscano y la evidencia de que la retratada aparezca con una mayor juventud y lozanía, ha revolucionado el mundo del arte.
Los trabajos de restauración de la copia revelaron que la pintura negra había sido añadida posteriormente -un siglo después de creada la obra original, que Leonardo pintó entre 1503 y 1505- y que la madera no era nogal, sino roble.
Existen numerosas copias de la Mona Lisa, y la que se conservaba en el Museo del Prado no parecía revelar nada especial.
Lo que se habría descubierto ahora es que se trata de una copia del trabajo de Da Vinci, realizada al mismo tiempo que la obra del maestro.

***********

El museo parisino pidió hace dos años al del Prado que estudiase la copia con vistas a la exposición que el Louvre prepara sobre la "Santa Ana" de Leonardo Da Vinci, del 29 de marzo al 25 de junio.
Un exposición con la que el museo del Louvre de París rinde homenaje a toda la obra del polifacético artista florentino y en especial, al óleo "La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana", recientemente restaurado.

A ver cómo se toman los franceses la llegada al Louvre de la nuestra y su protagonismo.


La Gioconda (copia).
 Óleo sobre tabla de nogal, 76,3 x 57cm, 18mm de grosor.



El que en la copia aparezca más joven, no significa nada y puede deberse a una falta de pericia por parte del discípulo con respecto al maestro.
Los discípulos del genio florentino eran magníficos copistas, pero todas esas evidencias a las que se aluden son subjetivas, porque las personas que han hablado en los medios de comunicación, en vez de ver las diferencias evidentes, ven similitudes extremas.

Fijándose con atención entre ambas obras, se ve la frontera que hay entre un magnífico pintor, el discípulo y un genio, Leonardo Da Vinci. Se trata de diferencias sutiles, pero notables, y que demuestran que pudo haber sido realizada por alguno de los pintores que estaban cerca del maestro.

El primer punto más importante y que demuestra la diferencia de calidad entre ambas obras, se centra en el diseño de la frente; la curvatura de la obra de Leonardo es coherente al volumen de la figura, mientras que en la copia esta línea está recta, aunque en un momento se inclina.

Otro punto importante se basa en la forma del pliego derecho de la tela que lleva en el hombro desde la posición del espectador; este pliego, en la obra del discípulo aparece en un tono claro, pero en la del maestro es muy sutil, ya que ese lado de la pintura es una sombra continuada. Ese toque blanco y más claro de la copia evita el protagonismo del rostro, lo que demuestra que el discípulo era un buen pintor, pero no un genio.
La utilización del esfumato es otro elemento importante. El esfumato lo utiliza Leonardo como una neblina que envuelve toda la imagen para crear perfiles más diluidos que fusionan la imagen con el espacio, algo que tampoco utiliza la copia.

Las manos del personaje también evidencian diferencias ya que las del original están en una semipenumbra, son unas manos que se sacrifican para dar protagonismo al rostro y al pecho, pero en la copia son muy evidentes y están compitiendo con el rostro. Algo parecido ocurre con las cejas, que en el caso de la obra original son casi imperceptibles, mientras que en la copia están muy marcadas y delineadas.

Matías Díaz Padrón (exconservador jefe de pintura flamenca del Museo del Prado).

* * * * * * * * * * *

LEONARDO DI SER PIERO DA VINCI
1452-1519
Nace en un pueblo de la Toscana italiana. Hijo ilegítimo de un notario y una sirvienta, Catarina Vacca.
A los 14 años entra en el afamado taller del pintor florentino Andrea Verrochio donde convive con Sandro Botticelli y Perugino, allí aprende gran parte de los secretos pictóricos para ejecutar un cuadro.
Estudia matemáticas, geometría, perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, se inicia también en la arquitectura y escultura. También experimentó de una forma sorprendente en zoología, cartografía, anatomía, botánica, música (él tocaba la lira), etc. Muchos de sus proyectos se han dado a conocer en forma de apuntes y dibujos, pero muchos quedaron sin materializar y han pasado a la historia como grandes ideas, diferentes códigos, planos de fortificaciones y multitud de inventos, son ejemplos de su genialidad.
¿Qué más se puede decir de este hombre? Es sabido que tenía la muy rara cualidad de abordar con talento todas las disciplinas. Fue pintor, ingeniero, inventor, matemático, astrónomo, filósofo y hasta cocinero.
Estudió sin cansancio todos los fenómenos naturales, la perspectiva, la geometría, anatomía y, en general, todas las ciencias de la observación; buscó respuestas a todas las preguntas imaginables.
Leonardo Da Vinci fue un humanista renacentista, poseedor de una mente prodigiosa, un luchador incansable en la búsqueda de la verdad, de los secretos de la vida y sus misterios.


LA SONRISA CRAQUELADA DE LA GIOCONDA


 








Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte.
Se estima que fueron cuatro años los que estuvo trabajando en él,
(las obras maestras requieren dedicación).
Al parecer, el pintor la llevaba consigo adonde fuese a trabajar.
    

Pintada entre 1503-1506, sobre una delgada tabla de madera de álamo muy frágil y no de gran tamaño, mide 77 por 53 centímetros. Leonardo preparó minuciosamente la tabla, con múltiples capas de enlucido. Dibujó el motivo del cuadro y después aplicó el óleo, sabiamente diluido en aceite esencial. Ello le permitió aplicar innumerables capas de pintura en forma de veladuras, con finas pinceladas casi imperceptibles individualmente. Con el esfumato consigue un difuminado de los contornos de la figura, jugando con luces y sombras que dotan al personaje de relieve y de misterio. La figura adquiere una humana vitalidad, con una inefable expresión en el rostro, que parece observarnos. Las manos parecen dotadas de movimiento. El paisaje se pierde en la lejanía. El esfumato, de la mano de Da Vinci permite una ejecución perfecta de las carnaduras, gracias al refinado tratamiento de la figura, que está sumida en un claroscuro ambiental.

Mientras Leonardo pintaba a su modelo siempre había alguien cantando, tocando música o contándole una historia, quizá de esa manera consiguió la expresión placentera en su rostro.

La combinación de la "perspectiva aérea" y de la técnica del "sfumatto" consiguen una estupenda sensación tridimensional y de profundidad (posiblemente inventó el 3D). Los críticos de arte coinciden en afirmar que lo mejor del cuadro son las manos y por supuesto la enigmática sonrisa sobre la que Margaret Livingstone, experta en percepción visual dice: "una ilusión que aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes". La experta opina que debido al funcionamiento del ojo humano si se mira directamente a la boca la sonrisa desaparece, mientras que si se mira a los ojos u otra parte del cuadro la sonrisa vuelve a aparecer en el rostro de la Gioconda.

Sobre la boca de la Mona Lisa, J.E. Borkowski comenta que el rictus bucal es como el de las personas que han perdido sus incisivos o que padecen bruxismo, un hábito que lleva a rechinar los dientes por estrés o durante el sueño.

No deja de llamar la atención la opinión de un profesor de Yale, según él la sonrisa es debido a que la dama está embarazada. Llega a esta conclusión tras analizar la forma de la cara, los dedos hinchados y el gesto de las manos sobre el vientre (muy típico de las embarazadas).

Según la publicación británica New Scientist y en base a los estudios de la Universidad de Amsterdan la sonrisa de la Mona Lisa esta compuesta de las siguientes emociones:
  • 83% se debe a la felicidad
  • 9% es sentimiento de disgusto
  • 6% de miedo
  • 2% de enojo

El estudio está basado en el análisis de la expresión por un programa informático (diseñado por la Universidad de Illinois) que evalúa emociones interpretando los gestos de la cara

No hay prueba fidedigna de la identidad real de la dama representada. Las vicisitudes del cuadro a lo largo de la historia, son más propias de una novela policiaca que de una obra de arte.

En 1911 fue robada por un pintor italiano, Vicenzo Peruggia, con el fin de devolverla a su país de origen. Finalmente el cuadro fue recuperado tras pasar dos años debajo de la cama de Peruggia en una pensión de París. 
El cuadro no sólo ha sido robado, sino que también ha sido rociado con ácido y golpeado con una piedra arrojada por un hombre en el propio Louvre.        
Es con diferencia la pintura más visitada del museo del Louvre.

En 2005 fue instalada tras una vitrina antibalas en una sala especial donde está protegida del calor, la humedad y el vandalismo. El traslado y acondicionamiento tuvo un coste de 6 millones de dólares que corrieron a cargo de la misma cadena televisiva japonesa que patrocinó la restauración de la Capilla Sixtina.

Es el cuadro más conocido del mundo y recreado por todos los medio, incluso por artistas tan diversos como Dalí, Botero, Andy Warhol...

y hasta cantada:

NAT KING COLE
MONA LISA









miércoles, 29 de febrero de 2012

MÚSICA A LA CARTA





¿Quién no recuerda estos dos programas de televisión? De acuerdo,  para recordarlos hay que tener
 ciertas edades y haber tenido ciertas aficiones.



"Cifu"


 Dirección de Javier Díez Moro
y presentación de Juan Claudio Cifuentes.
A pesar de emitirse de madrugada por la segunda cadena, 
consiguió que los aficionados al jazz encontrasen un espacio donde poder disfrutar de buenas actuaciones y en directo, tanto nacionales como internacionales.

Periodo de emisión : desde octubre de 1984 hasta finales de 1991. 


 -TUNING IN- ORQUESTA DE WOODY HERMAN, AÑO 1963

-AFINANDO-


SINTONÍA DEL PROGRAMA


***
Hay actuaciones y entrevistas de "Jazz entre amigos" que se pueden ver por Internet,
pero elijo ésta,  un guiño al programa.


LINDA WENDSLEY (Millán Salcedo)
.

JAZZ ENTRE AMIGOS

***





POPGRAMA Periodo de emisión (1977-1981) Comenzó a emitirse el 11 de octubre de 1977 por la Segunda Cadena. El programa estaba dirigido por Paco Soriano y por él pasaron los artistas y grupos más innovadores de la época. Carlos Tena, Diego Manrique, Àngel Casas y Paco de la Fuente entre otros se alternaban en el guión y la presentación. Allí vi por primera vez a Silvio Rodríguez, aunque ya había escuchado su música anteriormente.