domingo, 24 de marzo de 2013

CANTO LÍRICO



La voz se considera como el único instrumento natural del ser humano. Cada persona tiene un tipo de voz diferente, con sus propias características y habilidades. Para diferenciar los tipos de voz, siempre se han tratado de clasificar, pero el hacerlo ha sido motivo de discusiones por los distintos puntos de vista. Partiendo de una división de voces en masculinas y femeninas, se han realizado clasificaciones adicionales según diversos aspectos de la voz que en el momento de cantar se ponen de manifiesto, como el timbre, el tono, la intensidad, etc. 

El canto es la emisión controlada de sonidos del aparato fonador (voz) humano, siguiendo una composición musical. El canto tiene un rol importante dentro de la música porque es el único medio musical que puede integrar texto a la línea musical.

Hay diferentes técnicas de canto que se aplican según el estilo musical en que se canta. En ópera, cuya base proviene del lema "recitar cantando" se aplica la técnica del canto lírico (el bel canto se refiere al estilo romántico propio de la ópera italiana del 1700-1800), mientras que en el canto popular la pauta es lograr un sonido semejante al de la voz hablada.

Entre las diferentes técnicas vocales se destacan la técnica Italiana, la técnica Alemana, la Americana y la Inglesa.

La formación de los cantantes de ópera, musical o concierto en un conservatorio requiere de unos 10 años. Para estudiar canto, un examen de admisión y un diagnóstico vocal son indispensables.

En música popular, el cantante se forma comúnmente a través de experiencia práctica. Sin embargo, han surgido varias escuelas de canto popular en Europa, como la Popakademie Mannheim.

La laringe, comúnmente llamada garganta, fue el primer instrumento musical del que hizo uso la humanidad. Las antiguas culturas habían descubierto este instrumento y creían que el canto y la música habían sido creados por los dioses. El arte del canto fue desarrollado por todos los pueblos.

En Babilonia había grandes agrupaciones de cantores disciplinados desde el punto de vista musical. La música era voluptuosa, artículo de lujo para fiestas, poco digna para sacerdotes y rezos.


Existen diferentes técnicas para cantar. Mientras que el cantante de ópera pretende emitir un sonido acústico para su público en un concierto, ya sea en un teatro o en un auditorio apto para este tipo de conciertos operísticos sin equipo de audio, en el canto popular, comúnmente, se utiliza un equipo de audio eléctrico. Con el uso del micrófono, el "cantante" puede emitir un sonido semejante al de la voz hablada, sin necesidad de alcanzar un volumen elevado.


En el canto entrenado en la disciplina clásica - ópera, oratorio, Lied, etc - las voces se clasifican de acuerdo a su extensión y color, básicamente según su registro o tesitura.

Las voces o tipos de voz están clasificadas esencialmente en soprano, mezzosoprano, contralto, tenor, barítono y bajo, siendo los tres primeros registros femeninos y los otros tres, registros masculinos. Esta clasificación es según la tesitura, es decir, la amplitud tonal de la voz. Se entiende como el conjunto de notas que puede cantar o emitir una persona, sintiéndose cómoda, sin forzar las cuerdas vocales. 






SOPRANOS




Las soprano son las voces femeninas más agudas. En las óperas han ocupado los mayores puestos jerárquicos, teniendo generalmente los papeles protagonistas en las obras. Las sopranos se clasifican básicamente en sopranos ligeras, sopranos líricas y sopranos dramáticas. La soprano ligera es la que tiene un registro más agudo y amplio pero menor cuerpo que otras sopranos. La soprano ligera que puede cantar con más agilidad y nitidez se llama soprano de coloratura. La soprano lírica puede cantar con más volumen que la ligera pero no tan agudo. La soprano dramática posee la voz más grave de las sopranos y con timbre más brillante; esta soprano requiere más habilidades dramáticas que sus compañeras. 





MONTSERRAT CABALLÉ
CASTA DIVA -NORMA- (BELLINI)





SOPRANO DE COLORATURA


La soprano de coloratura (en italiano: soprano d’agilitá) es aquella voz que tiene la capacidad de ejecutar sucesiones de notas rápidas dentro del registro vocal de soprano, en un estilo ornamentado o con embellecimientos elaborados, incluidos los pasajes rápidos de escalas y los trinos, ya sean escritos o improvisados.El término coloratura está referido a las elaboradas ornamentaciones de una melodía. La soprano de coloratura es una voz de alta agilidad, que suele tener una tesitura bastante expuesta y comúnmente con capacidad para manejar el registro de silbido. En sentido estricto, el término coloratura no se restringe a describir ninguna gama de la voz, por lo que dentro la clasificación de matices vocales, la soprano de coloratura puede ser una soprano ligera, lírica, lírica ligera o dramática de coloratura.



SOPRANO LIGERA

La soprano ligera (en italiano, soprano leggero) es una voz de gran alcance en los agudos, a los que llega con gran claridad, nitidez y agilidad, lo que le permite ejecutar complicados ornamentos sin dificultad, como notas en picadas en el registro más agudo de su voz. Por el contrario la soprano ligera no suele tener mucha sonoridad en su centro, de ahí la denominación «ligera». En general suelen ser voces de tesitura pequeña que suenan mucho en el agudo, característica principal de este tipo de voz.



SOPRANO LÍRICA

La soprano lírica (en italiano, soprano lírico) es una voz con un poco más de peso y densidad vocal que la soprano ligera y lírica ligera. Por lo general tienen tesituras pequeñas, con un centro rico y agudo limitado, ya que poseen unas cuerdas vocales de mayor grosor y por ello la dotan de un timbre más oscuro y carnoso que la propia soprano ligera.  



MARIA CALLAS
O Mio Babbino Caro / Gianni Schicchi (PUCCINI)







SOPRANO LÍRICA LIGERA

La soprano lírica ligera (en italiano soprano lírico-leggero) es una voz de gran alcance en los agudos, con un centro más sonoro y una mayor tesitura que la soprano ligera, lo que les permite acometer gran parte de los papeles tanto de soprano ligera como lírica. Resulta menos ágil en el agudo que la soprano ligera, pero tiene una zona más amplia en lo graves.


SOPRANO LÍRICO SPINTO

La soprano lírico spinto o soprano spinto es un matiz dentro de la voz de soprano, similar a la soprano lírica, pero con un mayor cuerpo en su centro y un timbre algo más oscuro, lo que le permite desarrollar sin gran esfuerzo pasajes dramáticos. Supera además en potencia y expresión a la soprano lírica, pero posee agudos más limitados.




ANNA NETREBKO

SONGS MY MOTHER TAUGHT ME (Dvořák)

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SOPRANO SOUBRETTE

La soprano soubrette o doubrette es similar a la soprano ligera, con menor facilidad en el registro agudo. El término procede de las sopranos para las que se escribía la opereta francesa, en general grandes actrices, sin grandes recursos vocales. Raramente estas sopranos siguen siendo soubrette a través de su carrera entera.3 La tesitura de la soubrette suele ser un poco menor al de la soprano lírica y la lírica spinto. 


SOPRANO DRAMÁTICA DE COLORATURA

La soprano dramática de coloratura, también denominada soprano dramática de agilidad, es una voz de extraordinarias características, muy rara entre las sopranos por su amplísima tesitura. Posee unos graves muy ricos, con mucha sonoridad en el centro como la soprano dramática, pero a su vez posee gran alcance en los agudos, a los que llega con claridad, nitidez y agilidad, lo que le permite ejecutar complicados ornamentos sin dificultad en el registro más agudo de su voz al igual que la soprano ligera.  Dentro de la clasificación moderna, la soprano dramática de coloratura, sería lo más cercano a la antigua denominación mitificada de soprano sfogato.




LA FLAUTA MÁGICA
(MOZART)
Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen

DIANA DAMRAU



SOPRANO DRAMÁTICA

La soprano dramática (en italiano, soprano drammático) es un matiz dentro de la voz de soprano. Su voz se diferencia de las demás por poseer un timbre más oscuro y lleno, pero más grave y con más peso en la voz, generalmente acompañado de mayor caudal o volumen aunque con menor flexibilidad en los agudos.


JESSYE NORMAN

HABANERA -CARMEN- (BIZET)



SOPRANO FALCON

La soprano falcon es una voz intermedia entre soprano dramática y mezzosoprano lírica. Es una voz dramática de grave poderoso y agudo limitado. La voz de soprano falcon corresponde a un rango vocal utilizado inicialmente en Francia que debe su nombre a la mezzosoprano francesa Marie Cornélie Falcon (1814-1897).


MEZZOSOPRANOS



Las mezzosoprano son voces bastante más graves que las sopranos y pueden realizar agilidades complicadas. Se clasifican en mezzo ligeras y mezzo dramáticas. La mezzo ligera se caracteriza por un registro más grave que la soprano, aunque cercana a la dramática; posee flexibilidad y capacidad para cantar pasajes rápidos y ornamentados. La mezzo dramática se parece a la soprano dramática con la diferencia de poder ejecutar graves ricos y potentes; generalmente, representaban personajes antagónicos. 


CECILIA BARTOLI

Ombra mai fù (Georg Friedrich Händel)




Una mezzosoprano puede cantar algunos papeles de soprano o de contralto, pero lo que diferencia a una mezzosoprano de las otras dos voces femeninas es el color de la voz y que la mezzosoprano sostiene mejor las notas medias.


MEZZOSOPRANO LIGERA

La mezzosoprano ligera es casi equivalente a la soprano dramática, pero con más agilidad. Debe estar capacitada para resolver ornamentos auténticamente virtuosos. La mezzosoprano ligera equivale a la soprano Falcon del repertorio francés.


MEZZOSOPRANO LÍRICA

La mezzosoprano lírica es una voz con los graves reforzados, equiparable a la soprano lírica, con capacidad para vibrato rápido y perfectamente controlado y la agilidad en las escalas y arpegios. A las mezzosopranos líricas con un repertorio especializado en las óperas de Rossini, también se las denomina como mezzosopranos rossinianas, aunque interpreten papeles de otros compositores. 

MEZZOSOPRANO DRAMÁTICA

La mezzosoprano dramática es una voz mucho más potente, está muy cercana a la soprano Falcon francesa.


CONTRALTOS

Las contraltos son las voces femeninas más graves. Se consideran muy raras y se caracterizan por poseer graves más potentes que cualquier otra cantante. Debido a su extrema rareza, los papeles en las óperas son reducidos y muchas veces los tiene que interpretar las mezzosopranos con voz más oscura. 


Kathleen Ferrier 
 "Ich bin der Welt abhanden gekommen"




La mayor parte de las mujeres que cantan los papeles de contralto son en realidad mezzosopranos que consiguen alcanzar los graves de la contralto ahuecando la voz y valiéndose del pecho femenino.
Aunque tanto los hombres como las mujeres pueden tener voces dentro de la extensión vocal del contralto, este término siempre se usa refiriéndose al sexo femenino. Al hombre que canta en la tesitura de contralto, mezzosoprano o soprano, se le llama contratenor.


Dentro de la voz de contralto se encuentran dos matices:



Contralto dramática



La contralto dramática es un tipo muy habitual de esta voz. Debido a su timbre oscuro, en el repertorio de las contraltos abundan papeles dramáticos que requieren gran intensidad de expresión. 



Contralto cómica o buffa



Contralto cómica o buffa es el nombre que se da a una contralto cuando interpreta un papel cómico. Es una voz de contralto con capacidad para cantar ornamentos, por lo que, si cabe, es aún más difícil de encontrar que la contralto dramática.


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TENORES





ALFREDO KRAUS
AMAPOLA




Los tenores son los hombres de voces más agudas. Se dividen básicamente en tenor lírico ligero, tenor lírico y tenor dramático, entre otros. El tenor lírico ligero es el que puede cantar con comodidad en las notas más altas en el registro masculino; también puede realizar ornamentaciones y fraseos. El tenor lírico, no tan agudo como el primero, pero con más firmeza y proyección de voz. El tenor dramático posee un registro mucho más grave, pero más potente; además, presentan intensidad dramática. 
Tenor es la voz cuya tesitura está situada entre la del contratenor y la del barítono. La palabra tenor deriva del latín tenere (sustentar), debido a que en la música eclesiástica del Renacimiento el tenor sustentaba notas largas y a cada sílaba del texto le hacía corresponder una sola nota, mientras que otras voces cantaban con un estilo melismático.

La clasificación de la voz de tenor es una herencia de la historia de la ópera. Durante el período clásico, la voz de los tenores tendía a ser ligera para no romper el equilibrio musical, que era una de las características más resaltantes del período. Durante el romanticismo, sobre todo en Italia, se aumentó la potencia de las orquestas y, por tanto, los requisitos de las voces. Fue entonces cuando se consolidó la figura del tenor spinto. En Francia, donde se mantuvo por algún tiempo la tendencia a la elegancia y al equilibrio, se consolidó el tenor lírico. Finalmente, a partir de Richard Wagner la orquesta creció notablemente y así la potencia que se demandaba a los cantantes, lo que dio lugar al nacimiento del tenor heroico.


TENOR LIGERO

El tenor ligero, también llamado tenorino o tenore di grazia, posee una voz clara, aguda y ágil. Es una voz frecuente entre los tenores, aunque la calidad es siempre difícil. Dentro de este tipo de tenores vale la pena destacar algunos tipos especiales de voces, por sus muy específicas características:

TENOR LÍRICO LIGERO

El tenor lírico ligero, también denominado tenor cantante, posee una voz con más cuerpo de la del ligero y con ciertos matices líricos. Empezaron a popularizarse a finales del siglo XVIII y dominaron el período del bel canto durante el siglo XIX hasta el advenimiento de Wagner por un lado y el verisimo italiano por el otro, que exigían otro tipo de tenores.




PLÁCIDO DOMINGO & JOHN DENVER
PERHAPS LOVE



TENOR LÍRICO

El tenor lírico es una voz de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz. Se exige un buen dominio del registro medio y belleza en el agudo.


TENOR LÍRICO SPINTO

El canto spinto (del italiano spinto, "empujado") fue apareciendo a finales del siglo XIX para atender las óperas del naciente repertotio verista y popularizado después por las grabaciones del tenor italiano Enrico Caruso. En el canto spinto se abandonan las virtudes más técnicas del bel canto (como la coloratura o la mezza di voce) para lograr un canto más potente, espontáneo y capaz de imitar expresiones de emoción desencadenada propias del verismo. Aunque la palabra spinto ha llegado a ser un término para un determinado tipo de papel, el verbo spíngere no describe un tipo de voz, sino el defecto técnico de ‘empujar’ la voz. Así, el cantante llega al agudo con una exagerada presión subglótica de aire. Por eso, el tenor lírico spinto comúnmente no puede realizar coloraturas pero su volumen se ve incrementado, pudiendo sobreponerse a las cada vez más nutridas orquestas. 

TENOR DRAMÁTICO

De mayor potencia en la octava central y en los graves, y capacidad suficiente en los agudos. Aunque hoy es una voz poco común, fue muy utilizada en el repertorio postromántico y verista, donde se necesitaban voces suficientemente potentes como para ser oídas por encima de la opulencia de la orquesta. Especial mención para el Otello (de Giuseppe Verdi), rol de tenor dramático por antonomasia. Existe constancia discográfica de grandes tenores dramáticos como Mario del Mónaco, Jon Vickers y Giuseppe Giacomini.
En la escena musical actual, este tipo de voz es utilizada en gran medida por vocalistas de bandas de Power Metal y Heavy Metal, siendo algunos cantantes representativos del estilo: Michael Kiske, André Coelho Matos, Adrián Barilari, Timo Antero Kotipelto, Fabio Tordiglione, Tobias Sammet, Bruce Dickinson, entre otros.



STEVIE WONDER & PAVAROTTI
PEACE WANTED JUST TO BE FREE

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LUCIANO PAVAROTTI
NESSUN DORMA -TURANDOT (PUCCINI)



HELDENTENOR

En el repertorio alemán, el Heldentenor es el tipo vocal del tenor dramático antes mencionado. La concepción musical de Richard Wagner exigía un tipo vocal muy concreto y exigente: voces de corte dramático, pero de enorme resistencia física para sobreponerse durante horas a la orquesta wagneriana. Su primer exponente fue el muniqués Ludwig Schnorr von Carolsfeld, que falleció a las semanas del primer "Tristan". Frecuentes en otro tiempo, hoy son directamente inexistentes.
Los más celebrados tenores wagnerianos de los que hay constancia discográfica fueron Lauritz Melchior y Max Lorenz, además de Wolfgang Windgassen, Set Svanholm, Ludwig Suthaus, Günther Treptow, Jon Vickers, Siegfried Jerusalem, James King, Ramón Vinay y Rene Kollo.


HAUTE-CONTRE

Un tipo de tenor muy específico de la ópera francesa reformista. Requiere un dominio absoluto del registro mixto; esto es, la capacidad de cantar en el límite entre el registro de pecho y de cabeza o falsete. Portentos técnicos como Nicolai Gedda o Alain Vanzo han podido cantar estos roles, pero quizá solo Léopold Simoneau y Rusell Oberlin (por tesitura, que no por repertorio) hayan sido los únicos haute-contre de entidad en el siglo XX.

TENOR ROSSINIANO

Al tenor rossiniano se le exige virtuosismo en la agilidad, dominio técnico para terribles saltos de octava y agudos altísimos que con frecuencia deben atacarse en falsete. Se puede destacar como especialistas modernos a Francisco Araiza, Bruce Ford, Rockwell Blake y Chris Merrit.


TENOR MOZARTIANO

Para el tenor mozartiano el elemento más importante es el aborde instrumental de la voz, lo cual implica: una emisión vocal esbelta e impecable, perfección en la entonación, en el legato, en la dicción y en el fraseo, capacidad para hacer frente a las exigencias dinámicas indicadas en la partitura, belleza tímbrica, línea de canto segura resultante de un perfecto soporte y el perfecto dominio técnico del fiato, inteligencia musical, disciplina corporal, elegancia, nobleza, agilidad y habilidad para ejecutar y contener la expresividad dramática dentro del estrecho margen impuesto por el estricto estilo mozartiano, siendo el estilo mozartiano mismo el principal requerimiento a cumplir.
La tradición alemana del tenor mozartiano data de fines de los años 20 del siglo XX, cuando dichos tenores comenzaron a hacer uso de la técnica desarrollada por Caruso para lograr e incrementar la dinámica y la expresividad requeridas por Mozart.
Las referencias comienzan con Marcel Wittrich a fines de los 20 y continúan con Joseph Schmidt, Walther Ludwig, Anton Dermota, Fritz Wunderlich y Francisco Araiza, siendo este último quien ha dejado el legado mozartiano más abundante incluyendo: 15 grabaciones, 7 roles y más de 350 presentaciones documentadas en los principales teatros del mundo durante un período de 25 años.



BARÍTONOS


Los barítonos poseen voces más graves que los tenores y, generalmente, no pueden ejecutar agilidades. Se dividen básicamente en barítono y barítono bajo. El barítono es la voz masculina más común; es más grave y más oscura que la del tenor; posee buenos agudos pero graves no muy potentes. El barítono bajo tiene un registro entre un barítono y un bajo, es el barítono más grave pero puede emitir agudos brillantes. 

Hay barítonos dramáticos y líricos o nobles, que suelen corresponder a personajes de mayor o menor edad, respectivamente.
Dentro de la voz de barítono encontramos variantes.

BARÍTONO LIGERO

Es una voz grave caracterizada por ser potente en los agudos, y, por comparación, muy débil en los propios graves.

BARÍTONO MARTIN

Se caracteriza por ser voz mixta, de barítono por su extensión y de tenor por su color y su levedad. Es decir, se trata de una voz de barítono que llega hasta la zona del tenor, pero no da el Do. La voz barítono Martin debe su nombre al barítono francés Jean-Blaise Martin (1769-1837). Esta voz, aunque proviene del repertorio francés, ha acabado siendo acogida por los otros. Ejemplos de barítono martín son Camille Maurane (como Pelléas, en Pelléas et Melisande (Claude Debussy), y Michel Dens.

BARÍTONO BUFFO

Es el nombre que recibe el barítono ligero en papeles cómicos. Un ejemplo de barítono buffo es el británico Andrew Shore como el médico ambulante Dulcamara en L'elisir d'amore de Gaetano Donizetti.
Barítono verdiano: Voz potente y expresiva con gran capacidad para mantenerse en la zona aguda (re-mi-fa-sol). Idónea para la obra de Verdi e incluso de compositores como Donizetti y Rossini.

BARÍTONO DRAMÁTICO

Voz con apreciable fuerza y buen rendimiento en todo registro de barítono, especialmente en la zona grave. Un ejemplo es Robert Hale como Barak en La mujer sin sombra (de Richard Strauss).

BAJO-BARÍTONO

O Helden Baritone, de la palabra alemana "Held" que significa Héroe, dados los personajes épicos de la obra de Richard Wagner. En realidad el bajo-barítono es una subcategoría aparte del barítono, no tiene que ver con estilo de canto sino con las condiciones naturales aplicadas a un repertorio específico. Ejemplos: Hans Hotter, Thomas Quasthoff, Bryn Terfel.



BAJOS

Finalmente, los bajos son entre los tipos de voz las voces masculinas más graves y oscuras; en óperas cómicas debe realizar agilidades de gran dificultad, comparadas con las ejecutadas por tenores ligeros y mezzos ligeras.
En música clásica, particularmente en ópera, existen distinciones entre los distintos tipos de bajo.

BAJO PROFUNDO

El bajo profundo o bajo noble es un cantante con una voz particularmente profunda (una gran potencia y riqueza en graves), al tiempo, que mantiene los agudos firmes. Algunos ejemplos son: Gottlob Frick (como Sarastro en La flauta mágica de Mozart), Kurt Moll (como el Barón Ochs en El caballero de la rosa de Richard Strauss) y Nicolai Ghiaurov (como Don Basilio en El barbero de Sevilla de Gioacchino Rossini). La ópera Boris Godunov reúne en escena a tres bajos profundos: Boris, Varlaam y Pimen.3

BAJO LIGERO

El bajo ligero o bajo cantante tiene una voz más lírica, quizá con un rango de voz un poco más aguda, de timbre ligero. El bajo cantante precisa agilidad en la voz, para realizar pequeñas melodías. Un ejemplo es el eslovaco Serguéi Kopchák (como Mefistófeles en Mefistófeles de Arrigo Boito); papel de bajo cantante es el de Enrique VIII en Anna Bolena de Donizetti.

BAJO CARACTÈRE

El bajo caractère es un tipo de voz cercana al bajo cantante que no se usa fuera del repertorio francés. Como el bajo cantante posee una voz grave, pero alta, con un timbre ligero. Un ejemplo es Gidon Saks (como Hagen en El anillo del nibelungo de Wagner).
[editar]Bajo buffo
El bajo buffo, en italiano basso buffo, es un matiz dentro de la extensión vocal del bajo. El buffo tiene comúnmente un papel cómico. No tiene necesariamente el brillo de una voz seria, pero tiene que convencer por su talento cómico.

BAJO HELDEN

El bajo Helden o bajo-barítono es la voz equivalente a la del barítono bajo.

BAJO HOHER

El bajo Hoher es un tipo de voz profunda y corta (vendría a significar ‘bajo alto’), muy similar al bajo caractère, que no se utiliza fuera del repertorio alemán. La denominación de este tipo de voz viene del propio Wagner, que escribió ciertos papeles para este tipo de voz como sus Wotan, Alberico, Donner o Fasolt en El anillo del nibelungo. Un ejemplo de bajo hoher sería el bajo danés Stephen Milling como Fasolt.


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Además, existen tipos de voces masculinas que requieren una manipulación fisiológica (castración) o un entrenamiento parcial del registro falsete:

•castrato
•sopranista
•contratenor
•voz de tiple (sólo cuando se es niño; se puede llegar a educar)

Se denomina "voz blanca" la voz de los prepúberes o el uso de la voz sin vibrato.


El contratenor es el cantante adulto que canta en el registro musical masculino más agudo, empleando el falsete, la voz de cabeza y la voz de pecho. La aparición de estos cantantes surge como una alternativa ante la prohibición de la Iglesia Católica para la continuidad de los castrati.
Los contratenores son hombres que conservan las peculiaridades de esta voz de soprano (también con mayor potencia), sin haber sido alterado su desarrollo hormonal, sino, por un peculiar desarrollo de su aparato fonador.


Contratenor soprano o agudo (sopranista)

Son voces claras, ligeras. Sus poseedores atienden hoy por el nombre de sopranistas. Con frecuencia alcanzan notas muy elevadas, pero con un sonido estridente, poco agradable, y perfilan con habilidad las agilidades.Tienen sin duda, de naturaleza, una especial disposición para emitir esas sonoridades singularmente agudas, puede ser que por una suerte de atrofia de la laringe, lo que determina que sean individuos que tienen, incluso hablando, voz de mujer. Pero en caso contrario, si al hablar emiten un timbre varonil, está claro que ese colorido femenino que obtienen al cantar, deriva de un tratamiento muy específico de su técnica. 


MONTSERRAT CABALLÉ 
Y
 FREDDIE MERCURY 


BARCELONA






Contratenor mezzosoprano

Se ubica en un término medio, quizás la voz más usual en este campo. La mayor parte de sus poseedores son hábiles para manejarse en terrenos ambiguos y fronterizos de los dos registros. Sus sonoridades aflautadas son proverbiales. Muy probablemente, Farinelli y Senesino tendrían un instrumento de este colorido, desde su registro de castrados; como hoy Paul Esswood o James Bowman, Andreas Scholl, Brian Asawa, David Daniels son otros excelentes representantes.


Contratenor contralto o grave


De timbre equivalente al de la contralto femenina. Como es lógico, explota la parte más grave de su voz de cabeza y, en la zona más abisal, el registro de pecho. René Jacobs, hoy en labores directoriales, pertenece a esta clase. Pero su técnica es la misma que la de todos. El español Carlos Mena puede incluirse en este tipo, que algunos consideran el contratenor por excelencia y que habitualmente tiene, al hablar, voz de tenor; mientras, en sentido inverso, los contratenores más agudos, incluso los sopranistas, pueden, en la locución, tener timbres más oscuros.

DOMINIQUE VISSE

Les chemins de l´amour (Poulenc)



PHILIPPE JAROUSSKY





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jueves, 21 de marzo de 2013

DO YOU SPEAK ENGLISH?





Tribuna:LA CUARTA PÁGINA
elpaís-com

Fernando Galván



¿Por qué nos cuesta tanto hablar inglés? ¿Es que hay entre los españoles algún gen reacio a esa lengua? Naturalmente, la respuesta ha de ser negativa. No hay nada orgánico, ni étnico, en el hecho de que el porcentaje de españoles capaz de comunicarse fluidamente en inglés sea muy inferior al de la población nórdica, la germánica o incluso la de algunos países eslavos. Los motivos son de tipo cultural, educativo y, evidentemente, también lingüísticos.

Comencemos por estos últimos. El español, y nuestras otras lenguas románicas (a las que habría que añadir también el vasco), no pertenecen a la familia lingüística del inglés, que es el grupo de lenguas germánicas. Es obvio que resulta mucho más fácil para un español aprender gallego, catalán, italiano o francés que sueco, alemán, o inglés. La gramática y, sobre todo, el vocabulario suelen ser muy parecidos entre las lenguas de una misma familia.

Pero esta explicación nos vale solo en parte. ¿Por qué nuestros vecinos portugueses hablan mejor inglés que los españoles? Uno de los motivos es de índole lingüística, y tiene que ver con los diferentes sistemas vocálicos del castellano y del portugués, lo que explica también que, tratándose de dos lenguas cercanas (y mutuamente inteligibles en su expresión escrita), ofrezcan tantas dificultades para su mutua comprensión oral, al menos para los hispanohablantes.

Los diferentes sonidos vocálicos del portugués suponen una barrera inicial para los hablantes de español, que armados con nuestro sencillo sistema de cinco vocales, nos sorprendemos ante la diversidad lusa. Por eso, la dificultad que experimentamos los hispanohablantes cuando nos enfrentamos al aprendizaje del sistema de 12 vocales del inglés es superada con facilidad por los portugueses. Si uno está acostumbrado a que en su lengua materna una "a" no siempre suena igual, poco le costará adaptar el oído (y la pronunciación) a un sistema que, aunque distinto, se basa en la diferenciación no entre cinco sino entre más del doble de vocales. En cambio, los españoles luchamos denodadamente durante décadas por distinguir entre ship y sheep, entre latter y letter, entre cut, cot y caught, etcétera.

Otra explicación se halla en el entorno socio-cultural en el que nos movemos, y sobre todo, en los medios audiovisuales que nos rodean. Es un hecho demostrado que una lengua se aprende más fácilmente si existe un entorno propicio en el que los sujetos están "expuestos" a la lengua en una gama variada y múltiple de circunstancias. No basta con las horas que dediquemos a aprender el idioma en el aula. ¿Acaso los estudiantes españoles no dedican, en las fases obligatorias de la enseñanza, un elevado número de años, a razón de un promedio de tres horas semanales, a estudiar inglés? ¿Cómo es posible que, después de tantas horas dedicadas al estudio, muchos de nuestros jóvenes sean incapaces de entender y de comunicarse en este idioma en situaciones de la vida cotidiana? Pues bien, el hecho importante es que, salvo en casos excepcionales o muy restringidos, la mayoría de nuestra población no está sometida al inglés hablado en casi ninguna circunstancia. Cuando el estudiante sale del aula, acaba su exposición oral al idioma. No lo escucha en la radio, ni en la televisión, ni en el cine.

Y no es que la cultura audiovisual norteamericana no nos haya "invadido" en medida similar a nuestro vecino Portugal o al resto del continente europeo. Pero ocurre que en otros países no se doblan las series de televisión norteamericanas y las películas se exhiben en los cines en versión original con subtítulos. En España, sin embargo, el franquismo impuso el doblaje a todos los productos audiovisuales foráneos, lo que facilitaba la censura y permitía la "hispanización" y uniformidad lingüística de las voces y los acentos extranjeros. Los estudiantes polacos o suecos, portugueses u holandeses, están acostumbrados, desde su más temprana edad, a la exposición oral al inglés. Acaban su jornada escolar y, al conectar en casa sus televisores para ver sus dibujos animados o sus series favoritas, buena parte de ese material les llega en inglés. Así, casi sin darse cuenta, siguen aprendiendo fuera del aula, y para ellos el inglés ya no es una asignatura más del currículum, sino que forma parte de su entorno vital extra-escolar. Para utilizar una terminología en boga, podríamos decir que el inglés se convierte así en materia "transversal", que se aprende mientras se está haciendo otra cosa.

El entorno educativo es también esencial para el aprendizaje de una lengua extranjera; y es cierto que el acceso de los españoles al inglés data de menos de medio siglo, pues hasta los años setenta del siglo XX su implantación en nuestros centros escolares era muy reducida. No era tan fácil, en los años sesenta, encontrar institutos de enseñanza media donde se enseñara inglés. Si no teníamos hasta hace poco suficientes profesores bien preparados para enseñar esta lengua; si no empezábamos a enseñar inglés a los niños hasta después de los 10 años, ¿cómo podemos esperar igualar el nivel de competencia lingüística de otros países europeos?

Hoy, por fortuna, los programas de enseñanza bilingüe en las escuelas de Infantil y Primaria, y su extensión a la Enseñanza Secundaria, hacen concebir esperanzas de que dentro de unos años la capacitación de nuestros adolescentes sea bien distinta de la actual. Pero, al mismo tiempo, hay que mejorar también los niveles de exposición social y cultural al inglés en los medios de comunicación, y fomentar la gradual internacionalización de nuestras universidades, internacionalización que implica inexorablemente la mayor presencia del inglés y, por ende, la mejora en nuestra capacidad de entender y hacernos entender en este idioma.

Fernando Galván es catedrático de Filología Inglesa y rector de la Universidad de Alcalá.






WORDLESS





ZAPATERO EN... 
COTILLEANDO







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ESPERANZA AGUIRRE EN...
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RAPHAEL: ACUERIOOO








EL PRINCIPE GITANO: IN THE MARTIRIO









NAT KING COLE: ADIÓS MARIQUITA LINDA









MATT MONRO: CAN´T TAKE MY EYES OFF YOU








Y POR ÚLTIMO:


COCINANDO EN INGLÉS GIBRALTAREÑO








domingo, 10 de marzo de 2013

VOLVERÁN LAS OSCURAS GOLONDRINAS








LA PRIMAVERA (1480-1481)SANDRO BOTTICELLI


La Primavera es una obra que se ha interpretado en términos musicales: el episodio de la derecha con Céfiro persiguiendo a Flora, a la que sigue una Hora "La Primavera", se ha comparado con un allegro; después con un andante melancólico, la figura central de la Venus vestida; en el siguiente episodio, la melodía parece variar, moviéndose como en un ritmo perpetuo, en las Tres Gracias, para llegar a un trillo muy acusado en las dos manos levantadas de este mismo grupo, y extinguirse, finalmente, como en un morendo, en  Mercurio que, en actitud relajada, señala el cielo.
También se puede considerar esta pintura como una alegoría del reino de Venus, interpretada según la filosofía neoplatónica: Venus = Humanitas, es decir, unidad, armonía, entre naturaleza y civilización.


Loreena Mckennitt
La Serenissima

Álbúm : The Book of Secrets (1997)




EL RAPTO DE PERSÉFONE


Ceres y dos ninfas
PETER PAUL RUBENS
DEMÉTER, hermana de ZEUS y diosa del grano y la agricultura, tenía una hija llamada PERSÉFONE.

Antes de ser raptada por Hades, se llamaba Koré (hija), aunque después del rapto se convirtió en la Reina de los Muertos y adoptó el nombre de Perséfone, que no era prudente pronunciar en voz alta, refiriéndose los griegos a ella como "La Doncella".

En la mitología griega, Perséfone fue pretendida por los dioses Hermes, Ares, Apolo y Hefesto, pero los rechazó a todos. Antes de ser raptada por Hades, llevaba una vida tranquila alejada de los dioses del Olimpo como una diosa de la Naturaleza que cultivaba plantas. Un día estaba recogiendo flores con algunas ninfas, cuando se abrió una grieta en el suelo de la que salió Hades ("el que no ve" o "el lugar no visto") y cogió a Perséfone, llevándosela al Inframundo.

Su madre Deméter comenzó a buscarla, desolada, dejando la tierra yerma y sin vida. Según las versiones, Deméter estaba tan ocupada buscando a su hija que desatendió a la tierra, en otra prohíbe que nada crezca en tanto su hija no aparezca, y en otra versión es la magnitud de su desesperación lo que hace que ninguna planta florezca ni produzca frutos.

Por fin, Helios (el sol que todo lo ve) le contó lo sucedido, que Hades había raptado  a su hija, y lo había hecho con la complicidad de Zeus.
El regreso de Perséfone (1891)
FREDERIC LEIGHTON
Finalmente, Zeus ordena a Hades, por medio de la diosa mensajera Iris, que devuelva la hija a su madre.
La única condición que había en la liberación era que la diosa no debía haber probado nada de comida en su estancia allí, pero Hades la convenció para que comiera algunas semillas de granada, símbolo del matrimonio; al comer esos granos cultivados en el inframundo quedaba ligada a este lugar definitivamente.

La solución es el acuerdo que toman los tres dioses olímpicos: Perséfone dividirá el año entre su estancia en el inframundo, lo que simboliza el invierno y su regreso a la tierra con su madre, que simboliza la primavera.

Así, cuando Deméter y Perséfone estaban juntas, la vida florecía y las plantas daban sus frutos.



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Podrán cortar todas las flores,
pero no podrán detener la primavera. 

(Pablo Neruda)


primavera
         
Equinoccio de Primavera

Un equinoccio es cualquiera de los dos momentos en el año en los que el sol se coloca exactamente por encima del Ecuador y la longitud del día y de la noche son exactamente la misma.
El equinoccio de primavera, que en el hemisferio occidental coincide con el comienzo de la estación del mismo nombre, ocurre alrededor del 21 de marzo, cuando el sol se mueve hacia el norte sobre la línea del Ecuador.
El equinoccio de otoño ocurre alrededor del 23 de septiembre, cuando el sol cruza el plano del Ecuador en su movimiento hacia el sur.
Esos días son los únicos días del año en que la luz y la oscuridad tienen idéntica duración en todos los lugares de la Tierra (12 horas). Los rayos solares llegan perpendicularmente al Ecuador.




Viajamos por el espacio, alrededor del Sol, a una 
velocidad media de 107.000 km/hora, aunque no
percibimos este movimiento debido a la fuerza de 
la gravedad de la Tierra, que nos atrae hacia el 
suelo.
En su movimiento alrededor del Sol, denominado de traslación, la Tierra dibuja una órbita elíptica y emplea en recorrerla un año: 365 días, 6 horas y 9 minutos.
Como los años tienen 365 días, las seis horas que sobran se acumulan y cada cuatro años (6x4=24) se añade un día al mes de febrero. Estos años de 366 días reciben el nombre de bisiestos.
La traslación orbital elíptica propicia que en algún momento la Tierra esté en el lugar de la órbita más alejado del Sol, denominado afelio, hecho que sucede en julio. En ese punto la distancia al Sol es de 152 098 232 km. De manera análoga, al punto de la órbita más cercano al Sol se le denomina perihelio, ubicado a 147 098 290 km de distancia. Ocurre en el mes de enero.

El eje de rotación de la Tierra no es perpendicular al plano de la órbita, sino inclinado. Esta inclinación es la responsable de la sucesión de las estaciones del año.
Si el eje de la Tierra fuera perpendicular al plano de la órbita, los polos no recibirían luz solar en ninguna época del año, mientras que la insolación sería extrema y constante en el Ecuador.


Al encontrarse inclinado el eje de la Tierra, los dos polos quedan expuestos, alternativamente, a la radiación solar, y el lugar de mayor insolación va cambiando también, a lo largo del año, desde el trópico de Cáncer al Trópico de Capricornio.

Así pues, durante su recorrido alrededor del Sol, la Tierra queda expuesta de distinta manera a la incidencia de los rayos solares, y ello da lugar a las estaciones del año.


  • El verano y el invierno se producen porque hay mucha diferencia entre la cantidad de rayos de Sol que llegan al hemisferio Norte y al hemisferio Sur. Mientras en un hemisferio es verano, en el otro es invierno.
  • La primavera y el otoño comienzan cuando la incidencia de los rayos solares es igual en el hemisferio Norte y en el hemisferio Sur.
  • Dependiendo de la latitud y de la altura, los cambios meteorológicos a lo largo del año pueden ser mínimos, como en las zonas tropicales bajas, o máximos, como en las zonas de latitudes medias. Hay zonas de la Tierra donde solo existen dos, la húmeda y la seca (zonas monzónicas). Estas variaciones en el clima son más acusadas en las zonas frías y templadas, y más suaves o imperceptibles entre los trópicos.
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astenia primaveral
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Según cálculos del Observatorio Astronómico Nacional, la primavera de 2013 comenzará el miércoles 20 de marzo a las 12h 02m hora oficial peninsular, una hora menos en Canarias. Esta estación durará 92 días y 18 horas, y terminará el 21 de junio con el comienzo del verano.

Durante esta primavera se producirán tres eclipses, dos de Luna* de muy baja magnitud que serán visibles en España y uno anular de Sol* que no será visible en España. En cuanto a los planetas, la primavera del 2013 será una muy buena ocasión para verlos. Saturno pasará de ser visible al final de la noche durante la primera parte de la primavera a ser visible en el cielo vespertino al final de la estación, produciéndose su máximo acercamiento anual a la Tierra a finales de abril. Mientras tanto Júpiter brillará al principio de la noche casi toda la primavera y Venus se unirá a él a partir de mayo. Aunque difícil de predecir, la actividad magnética solar durante esta primavera será probablemente alta, dada la proximidad del máximo solar previsto para junio de 2013.

*A lo largo de la primavera habrá tres eclipses, dos de Luna y uno de Sol. El día 25 de abril un eclipse parcial de Luna, de muy baja magnitud, será visible en Europa, África, Asia y Oceanía. Dos semanas más tarde, el 9/10 de mayo, un eclipse anular de Sol será visible en Australia, Nueva Zelanda y el Océano Pacífico. El último eclipse se producirá el 25 de mayo. Será un eclipse penumbral de Luna de muy baja magnitud visible en América, oeste de Europa y África.

Saturno pasará de ser visible al amanecer al principio de la primavera, a verse durante toda la noche y terminará la primavera visible sólo al anochecer. La inclinación de sus anillos será bastante favorable para su observación. Además, el día 28 de abril se producirá su máximo acercamiento anual a la Tierra, alcanzando su disco un diámetro de 18,9”. Por otro lado Júpiter será visible al atardecer casi toda la primavera, y Venus lo será durante la última parte de la primavera.

Cambio de hora

El cambio de hora se produce, como es habitual, al iniciarse el último domingo de marzo. A las 2 de la madrugada hora peninsular del domingo 31 de marzo habrá que adelantar el reloj hasta las 3 (la 1 de la madrugada en Canarias pasará a ser las 2), con lo que este día tendrá, oficialmente, una hora menos.

Instituto Geográfico Nacional

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 CAT STEVENS

Morning has broken






LA MEJOR PINTORA DEL MUNDO MUNDIAL:

LA NATURALEZA
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ÉPOCA:
-RENACIMIENTO-






DIENTE DE LEÓN
En invierno, solo la raíz está viva bajo la tierra.
A partir de febrero o marzo, el diente de león brota.
El ramillete amarillo se compone de cientos de flores diminutas.
Cuando llueve, las flores se cierran.
Cuando la flor se marchita, queda una bonita borla:
Es un ramillete con decenas de semillas.
Sopla fuerte...
Cada semilla tiene un diminuto "paracaídas"; gracias a él, puede volar
lejos. Cuando cae al suelo puede producir una nueva planta...
Y todo comenzará otra vez.



































































































































































































La Rioja (fotografía casera)


































































































EVA CASSIDY - Fields of Gold (Sting)







ESPECIALMENTE EN ABRIL

Especialmente en abril
se echa a la calle la vida.
Cicatrizan las heridas
y al corazón, como al sol,
se le alegra la mirada
y se abre paso entre las nubes.

Al paisaje se le suben
los colores a la cara.
Y apetece ir donde cubre
a nadar contra corriente.
En abril especialmente
- en Buenos Aires, octubre -.

Se ruega al señor "fulano de tal"
- dice la voz de la conciencia malherida -
que haga el favor de personarse
urgentemente en la salida.

Que el día más insospechado
y de cualquier manera,
en el lugar más imprevisto
se puede aparecer la primavera.

Especialmente en abril
la razón se indisciplina
y como una serpentina
se enmaraña por ahí.

Van buscando los rincones,
sofocadas, las parejas.
Hacen planes y se dejan
llevar por las emociones.

Sin atender, imprudentes,
el consejo de Neruda:
"que las nieves son más crudas
en abril, especialmente".


JOAN MANUEL SERRAT
Álbum: Bienaventurados (1985)